pintura clasica

Pintura moderna es un término de gran ambigüedad, que es utilizado por la bibliografía para referirse a muy distintos conceptos dentro de la historiografía del arte.1 Su utilización dentro de cada una de las fuentes coincide o no con el sentido que se da a los términos “arte moderno“, “escultura moderna” y “arquitectura moderna“, igualmente ambiguos; así como al concepto de modernidad.

Utilizado con un criterio cronológico, podría referirse a la pintura de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII); pero no es eso lo habitual.

Utilizado con un criterio estético, se refiere a la pintura que rompe con los convencionalismos estéticos del academicismo y desarrolla las nuevas posibilidades expresivas que llegan a su punto culminante con las denominadas vanguardias artísticas. De esta manera, su ubicación cronológica sería el siglo XX; aunque también incluye las obras y autores del siglo XIX que se caractericen por su modernidad estética (por ejemplo, Goya, Turner, Courbet, Monet o Van Gogh). Por el contrario, excluye a las obras y autores del siglo XX que se caractericen por su academicismo o conservadurismo estético. En la segunda mitad del siglo XX se terminaron imponiendo las distintas modalidades de expresión vanguardista como canon estético y del mercado del arte, con notables excepciones (por ejemplo, gran parte de la pintura del franquismo y de los países del bloque del Este, donde se anquilosó el denominado realismo socialista).

Para mayor confusión, también es muy extendido el uso del término pintura contemporánea, con el que a veces se opone y a veces se identifica.

La creatividad de Linnea Pergola hace de sus pinturas una fusión de drama y encanto. Su trabajo consiste en una colección de retratos cautivantes y fascinantes de la vida y de la fantasía.
El Tema del artista es tan diverso y ecléctico como sus antecedentes y viajes. Estudió Historia del Arte, Geografía Cultural, idiomas chino e Historia en la Universidad Estatal de California en Northridge y ha viajado a los países menos frecuentes de Rusia, Escandinavia y Polonia, así como de las Filipinas con el Cuerpo de Paz.
Es su amor por los diferentes lugares y culturas que ella ha visto y estudiado y la historia que ella ha absorbido que le han dado un depósito abundante en la que se sumerge la pluma y el pincel. Aunque muchos temas inspiran a Linnea son los paisajes urbanos los que se observan con mayor frecuencia en toda su obra. Ella abraza un ambiente distinguido y estilos de vida, la arquitectura, la iluminación y la alta energía de las ciudades que encienden su imaginación. El espectador cautivado, se transporta a diferentes momentos.
Nacido en Los Ángeles en 1953, Linnea ahora reside en Nueva Jersey. Desde marzo de 1989 se dedica a la labor del presente Linnea Pergola ha demostrado en muchas galerías incluyendo a Martin Lawrence, Roberts Gallery of Scottsdale y The Ambassador Gallery de Nueva York.
El deseo de Linnea Pergola para expresar su creatividad única es la fuerza impulsora que inspira y le guía a fusionar los diversos elementos del drama y el encanto ingenuo tanto en sus cuadros multimedia y serigrafías. El Cuerpo de la obra de Pergola es una colección de retratos cautivantes y fascinantes de la vida impregnada de fantasía para revelar la respuesta pura y sin afectación del artista para su tema. Pergola admira los colores y estados de ánimo de Georgia O’Keefe, las fuertes ilustraciones de NC Wyeth y las escenas suaves de la vida del sueco Carl Larson. Un instructor de hace mucho tiempo animó Pergola a experimentar con nuevos medios y técnicas, y la presentó a la complejidad y los contrastes que se puede
lograr a través del dominio de la pluma y la tinta. Pergola utilizó sus características distintivas para componer el estilo singular de su arte. Una vez que el sujeto inspira Pergola, se transforma por el artista en una nueva realidad. A menudo, la imagen se cambia antes de la primera línea que se coloca sobre el lienzo o el papel, mientras que otras veces la imagen cambia gradualmente a medida que el artista interactúa con la imagen. Para empezar, Pergola crea un dibujo detallado de la pluma y la tinta china. El artista se da un mayor sentido de profundidad a la escena añadiendo sombras grises con un pincel y tinta diluida. Todo el tiempo, Pergola debe anticipar el efecto visual de cada pluma y pincel de tinta. La pintura de aceite se utiliza para dar detalles adicionales y la emoción visual coloreando algunas o todas las áreas vacías de lienzo o papel. Cuando el uso del color en las zonas seleccionadas solamente, Pergola se centra la atención del espectador sobre los elementos individuales que se siente son más significativos dentro de la imagen en general.
pintura clasica

Pintura clasicista

Las musas Clío, Euterpe y Talía, Eustache Le Sueur, h. 16401645, Museo del Louvre, París, ejemplo de aticismo.

La pintura clasicista es una de las tendencias o corrientes pictóricas que se desarrolló en el siglo XVII y representaba una alternativa a la pintura barroca. Como reacción al manierismo de finales del siglo XVI, surgieron en Italia dos tendencias: el caravaggismo y el clasicismo. Ambas se enmarcan cronológicamente dentro de la pintura barroca, pero sus características son distintas a las del barroco pleno, como señaló el historiador suizo Heinrich Wölfflin:

  1. Predominó el dibujo sobre el color;
  2. El espacio se construye mediante planos sucesivos, sin las bruscas diagonales barrocas;
  3. Las obras son cerradas, no abiertas, con las figuras colocadas en el centro de la composición;
  4. Las formas se distinguen nítidamente y son independendientes, a diferencia de la “subordinación al todo” barroca;
  5. No hay aquí violentos contrastes ni actitudes exageradas.

El clasicismo romano-boloñés

Hipómenes y Atalanta, Guido Reni, versión h. 1615-1625

La línea clasicista fue seguida por los Carracci, el más destacado de los cuales fue Annibale Carracci, dando lugar al clasicismo romano-boloñés, tendencia que se opuso al caravaggismo. Carracci pretendió restablecer el estilo de Rafael.

Esta tendencia nació en la ciudad universitaria de Bolonia, en un ambiente culto que buscaba una realidad más intelectualizada que los caprichos manieristas. No obstante, no se decantan por el naturalismo a la manera de Caravaggio, sino que buscan expresar una belleza ideal. Resultaba así un arte verosímil y noble, que no caía en vulgaridades y que expresaba una gran serenidad.

Tuvo un gran éxito entre los eclesiásticos. Se realizaron frescos y también pintura de caballete.

Destaca la importancia que le dio a la naturaleza y al paisaje, expresado con belleza, equilibrio y serenidad. Fue el precedente y origen de lo que después será el paisaje “clasicista” o “heroico”.

La obra maestra de Annibale Carracci fue la bóveda de la Galería del Palacio Farnesio, en Roma (1597-1604), que realizó a imitación de la Capilla Sixtina. La influencia de esta galería, estilísticamente entre el renacimiento y el barroco, fue enorme. También se le considera el creador del paisaje clásico, en el que las figuras humanas son meramente anecdóticas.

Los Carracci fundaron una Academia, llamada primero de los Deseosos y luego de los Encaminados. Tenía como objetivo completar la formación de los pintores, no sólo mediante la técnica, sino también dotándoles de formación humanística y literaria.

Muchos pintores formaron parte de la Academia. Los más conocidos son Domenichino, el boloñés Guido Reni y Francesco Albani. Autores posteriores se consideran de transición hacia el pleno barroco: Giovanni Lanfranco y Guercino.

Cuando el resto de Italia trabajaba ya las formas del pleno barroco, el clasicismo sobrevivía en la obra de Andrea Sacchi, Giovanni Francesco Romanelli y Carlo Maratta.

El clasicismo francés

Así como el tenebrismo tuvo éxito en la Francia de provincias, el clasicismo arraigó en la corte y en París, entre un público de aristócratas y la alta burguesía. El clasicismo francés de la época de Luis XIII estuvo dominado por las figuras de dos artistas que trabajaban en Roma: Nicolas Poussin y Claudio Lorena. De este último se destacan sobre todo los paisajes, que influyó en el romanticismo. Tanto Poussin como Lorena satisfacían ante todos los gustos de los coleccionistas franceses, especialmente de Richelieu y Mazarino, que adquirían sus obras.

Otro pintor que también desarrolló su carrera en Roma, pero cuyas obras se adquirían en Francia, fue Gaspard Dughet. En París trabajaron Laurent de La Hyre y Jacques Stella.

A mediados de siglo la corriente dominante fue el aticismo, estilo caracterizado por sus peculiares refinamientos. Representan esta tendencia Eustache Le Sueur, Sébastien Bourdon, Nicolas Loir (1624-1679) y Nicolas Chaperon.

En la corte francesa se cultivó igualmente el retrato, destacando sobre todo en este punto la figura de Philippe de Champaigne, que cultivo tanto el retrato sencillo, íntimo, de gran penetración psicológica, como el cortesano, en que que se presentan a los reyes y las grandes figuras con todo su esplendor. El retrato de corte suele ser de pie, con accesorios como columnas o cortinajes. Esta segunda línea fue cultivada por retratistas como Hyacinthe Rigaud y Nicolas de Largillière.

Durante el reinado de Luis XIV, el clasicismo se identificó con el “gran gusto”, siendo la figura más influyente fue Charles Le Brun, que marcó el estilo oficial de la época. A este respecto fue determinante la creación, en 1648, de la Academia Real de Bellas Artes, con lo que se creaban unas líneas artísticas oficiales al servicio de la monarquía. La Academia estableció una jerarquía de géneros, dentro de la cual el paisaje ocupaba el último lugar.

Aunque el iniciador es considerado Simon Vouet, antiguo tenebrista, es sin duda Le Brun la figura académica por excelencia, y quien mejor supo defender el ideal artístico del Rey Sol. Fue nombrado Primer Pintor del Rey en 1664, y dirigió los trabajos de Versalles.

Otros artistas destacados son Pierre Mignard, Antoine Coypel, Jean Jouvenet y Charles de la Fosse.

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